TAMAÑO DE LETRA

Vista general de la exposición The Pipe and the Flow en el espacio anexo a la Galería Espacio Minimo

Actualmente en la Galería Espacio Mínimo y en su anexo podemos ver a una exposición comisariada por Omar Lopez-Chahoud con una pluralidad de obras fuertemente relacionadas entre sí y que nos descubren novedosos artistas. The Pipe and the Flow parte del concepto de la analogía para desarrollar las conexiones entre los 10 artistas expuestos: Olivier Babin (Francia, 1979), Eduardo Basualdo (Argentina, 1977),  Jonathan Ehrenberg (USA, 1975),  Tommy Hartung (USA, 1980),  Jamie Isenstein (USA, 1975),  Marepe (Brasil, 1970), Suzanne McClelland (USA, 1959),  Sam Moyer (USA, 1983), Franklin Evans (USA, 1967) y LaToya Ruby Frazier (USA, 1982). Hablamos con Omar para que nos contara un poco más sobre esta exposición que de lejos parece misteriosa pero que habla de nuestros días como un libro abierto con las páginas en blanco.

RCA: ¿Cómo surgió la idea de la exposición?

Omar Lopez-Chahoud: Cuando me invitaron a la Galería, yo quería traerles una exposición que funcionase como projects rooms. Dos artistas que no participan,  pero forman parte del proyecto general y ocho artistas que sí son parte de la muestra. Quería traerles una pequeña representación de lo que está pasando en Nueva York para mostrar cómo están trabajando los artistas de Nueva York. Como ves, en la exposición los artistas trabajan con diferentes medios, como por ejemplo en el caso de Suzanne McClelland, que existe la pintura pero como instalación sobre esta lona. La idea era traer artistas que proyectasen sus ideas a través de diferentes medios.   

Comencé a ver a los artistas con los que tenía una relación profesional y vi que en este grupo de artistas había algo muy específico que los unía relativo a cómo manipulaban los materiales para crear una historia.

RCA: ¿Cuáles son las analogías que trazas entre los trabajos de Marepe, Babin, McClelland y Jonathan?

OL: Marepe, cuya obra consiste en una red de pesca que alberga cabaças y botellas de metal, nos remite a toda la tradición rural de Brasil. Esta obra se relaciona con la obra de Suzanne McClelland que expone elementos como frutas junto a una referencia a los cambios de las economías globales. Olivier  Babin utiliza cajas para el transporte de latas, que pueden tener alimentos envasados como punto de partida para su escultura. Todos estos artistas tienen una obra muy poética utilizando elementos cotidianos. Los dibujos de Jonathan no tienen una relación tan directa con las obras de esta sala. Pero su vídeo sí está relacionado al crear un mundo ficticio construido con elementos naturales. Un mundo basado en el consumo y otras cosas de esta índole y que funciona como metáfora.

Marepe. Génesis, 2008. 

RCA: En la obra de Isenstein también podemos ver elementos muy comunes y de lo cotidiano, como el libro y la metáfora al tiempo.

OL: Sí, la obra que Jamie Isenstein presenta en esta exposición alude a la analogía entre el libro y el paso del tiempo. Es una instalación que consiste en una lámpara que proyecta su luminosidad sobre un libro de 365 páginas acabando por oscurecerlas. La idea de un libro abierto que no tiene nada escrito y que se va oscureciendo es muy poética y ecológica, como un tipo de metáfora sobre los cambios que estamos viendo en el planeta. Un futuro incierto, ya que no hay nada escrito.

RCA: ¿Cómo llega el título The Pipe and the Flow a explicar la exposición?

OL: El título funciona como una analogía entre la corriente, el flujo y lo estático. Son dos opuestos. La pipa como algo estático y el humo como fluido. Son distintos, pero se relacionan. No pueden existir de manera separada. Los dos juntos funcionan como un elemento sólido.

RCA: Es decir, que ¿la galería y tú funcionáis como el apoyo del flujo?

OL: Exacto. El espacio y yo hacemos como la pipa. Los artistas actuarán como el fluido, están atravesándonos y sin ellos no existe la exposición.

Vista de la exposición en la Galería Espacio Minimo. En primer plano la obra Sun Tanning Book de Jamie Isenstein.

RCA: Cuéntanos un poco más sobre el proceso de elegir las obras de estos 10 artistas. ¿Con que galerías has mantenido contacto?

OL: La obra de Isenstein viene directamente de la Galería Andrew Kreps, de Nueva York y la pieza de Marepe viene de la Galería Anton Kern, también de Nueva York. Pero el resto de las obras, aunque todos los artistas tengan galerías que les representen, las hemos conseguido a través de los artistas. Estas obras no han pasado todavía por sus galerías. He visitado los talleres de los artistas y después de hablar con ellos he tomado las decisiones. He empezado con una pieza clave, que fue la primera. Después de eso, tuve que pensar que piezas podrían encajar con ésta.

RCA: ¿Cuál fue esta pieza?

OL: Génesis, de Marepe. Estuve en la Galería y he visto muchas piezas de Marepe, pero al ver ésta he sentido que tenía que ser la pieza clave para la idea. Tenía muy claro los artistas que me interesaban. No quiere decir que la pieza haya dado el tema a la exposición.

Vista de la exposición en la Galería Espacio Minimo. En primer plano la obra You Name It de Olivier Babin.

RCA: Háblanos de tu trabajo como comisario independiente y de tu relación con las galerías de arte.

OL: He trabajado con varias galerías comerciales, espacios alternativos y museos. Ahora en Nueva York acabo de hacer una co-curadoría, junto con Franklin Evans en la que trabajamos con 9 galerías. Creo que las galerías se han dado cuenta de que pueden traer a un comisario, porque los galeristas están muy ocupados viajando de feria en feria o trabajando en su galería. Muchas veces no tienen la oportunidad y el tiempo para visitar los talleres de los artistas. Por eso un comisario les puede presentar un grupo de artistas que son nuevos para ellos. Precisamente eso fue lo que ha sucedido en este caso, con la Galería Espacio Mínimo. Me han invitado para exponer a artistas que no fuesen muy conocidos en España. Creo que el más conocido de este grupo es Marepe.

RCA: ¿Cuál es tu consejo para las personas que están empezando en el mundo del comisariado?

OL: Principalmente asumir el riesgo y pensar que en un primer momento hay que trabajar en otras cosas. Teniendo otro trabajo puedes empezar un proyecto en otro lugar, en tu propia casa, apartamento, en un sitio abandonado, en cualquier sitio. Crea tu propia comunidad, que al comienzo no será grande, pero hay que empezar. Evita pensar que hay que estar en una institución, porque las instituciones te limitan hasta para los artistas que puedes enseñar. Muchos comisarios que son menos arriesgados empiezan en instituciones con posiciones muy bajas y poco a poco van subiendo, pero es un proceso que puede tardar 5 ó 10 años mientras que como comisario independiente puedes hacer los proyectos de curadoría que quieras. En cierta forma es mucho más arriesgado, pero al menos empiezas a hacer tus propias cosas. Y aunque estés trabajando para una institución es interesante también desarrollar trabajos paralelos.

Más información y fotografías:

espaciominimo.net

lushlifeles.com

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