TAMAÑO DE LETRA

“Ser galerista es un karma”

Luisa Strina

Sao Paulo, 1943

Galerista

Apertura de la Galería: 1974

Revista Claves de Arte: ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte?

Luisa Strina: Desde pequeña me gustó mucho el arte. Empecé a ir a la Bienal de Sao Paulo en 1951, cuando era muy joven y siempre he tenido amigos artistas que iban a escuelas de arte. A los 15 años más o menos empecé a frecuentar la Fundación Alvares Peinteado, que en aquella época todavía no era una universidad sino una escuela de arte, donde se aprendía a hacer grabado, dibujo, pintura, todo eso por separado.

Al principio quería ser artista, pero cuando entré en la Escola Brasil me di cuenta de que yo no lo era, a pesar de que me gustaba mucho el medio. Comencé intuitivamente a vender algunos trabajos y a coleccionar a los 16. Compraba mucho en casas de subastas muy importantes que había en aquella época aquí en Sao Paulo. Compraba obras y luego decidía venderlas porque quería comprarme otra mejor para mi colección y así empezó todo.

RCA: ¿Por qué pensaste que no eras artista?

LS: En la Escola Brasil vi que no era creativa (risas). Sentí que no tenía oportunidad de ser una buena artista y que se me daría mejor trabajar junto al artista.

Abrí mi galería en Sao Paulo precisamente con estos artistas de la Escola Brasil que eran mis profesores, Baravelli, Fajardo, Resende y Nasser.

En aquella época estaba casada con Wesley Duke Lee y él participó también en la inauguración. Por aquel entonces Brasil no tenía una galería contemporánea. Había buenas galerías que vendían obras académicas, obras modernistas y poquísimas contemporáneas y en el mismo espacio encontrabas todo esto mezclado.

Lo que yo hice fue reunir un grupo de artistas, formar mi equipo y trabajar con ellos, cosa que en 1974 era una osadía. Abrí la galería pensando que la podía cerrar al mes siguiente y llevo ya 35 años.

RCA: ¿Has pensado en cerrar la Galería desde entonces?

LS: No, nunca lo pensé, pero aquello fue como un intento, yo tenía treinta y pocos años, no tenía ninguna experiencia, nunca había trabajado en una galería de arte. Sólo contaba con mi experiencia personal igual que hoy.

RCA: ¿Habías trabajado en otros sitios o empezaste directamente en la Galería?

LS: Hice otras cosas, como instrumentadora quirúrgica, y cuando estudiaba en Alvares Peinteado hacía camisetas y las vendía, porque en aquel momento estaban de moda. No estudié arte porque no había una universidad de arte en Brasil en aquella época, así que hice Psicología pero en el segundo año desistí. Trabajé haciendo test a niños, pero nunca he realizado trabajos en museos o en galerías.

RCA: Comentabas que habías formado un equipo con artistas en los comienzos de la Galería ¿Ha cambiado mucho ese equipo originario a lo largo del tiempo?

LS: Sí, ha cambiado. Algunos artistas dejaron la Galería y vinieron otros, pero trabajo con Cildo Meireles desde 1981 y con muchos otros artistas desde hace más de 20 años, como Caetano de Almeida o Edgar de Souza.

RCA: ¿Cómo seleccionas a los nuevos artistas?

LS: Estoy siempre trabajando con nuevos artistas. Ahora mismo trabajo con muchos extranjeros como Luisa Lambri o Muntadas, que trabaja conmigo desde 1976. He incorporado a artistas de América Latina como Gabriel Sierra de Colombia, Juan Araújo de Venezuela, Mateo López de Colombia o Adrián Vilarojas de Argentina, estos son los que me interesan en este momento.

Seleccionar a los artistas es muy difícil, es una cuestión de mirar el trabajo, unas veces funciona, otras veces no, porque tiene que ser una relación muy personal, por lo menos la que tengo yo. Es como un enamoramiento.

RCA: ¿Qué es ser galerista? ¿Cómo puedes definir la profesión de galerista?

LS: (Risas) ¿Qué es ser galerista? Es una cosa graciosa. Yo creo que ser galerista es un kharma.

RCA: ¿Cómo puedes definir la línea artística de la Galería?

LS: Siempre es un trabajo muy conceptual. A mí no me gusta nada que sea muy decorativo. Yo trabajo básicamente con conceptos. El trabajo tiene que seducirme.

RCA: ¿Qué tipo de conceptos te seducen?

LS: Lo político, lo transgresor, lo prohibido…

RCA: ¿Qué buscas en un artista?

LS: Busco aquello que me emociona profundamente, algo que tenga la capacidad de impresionarme.

RCA: ¿Cuál es la dificultad de promocionar artistas brasileños fuera de Brasil?

LS: Brasil era muy cerrado. Hasta 1985 vivíamos en una dictadura donde no se podía traer a nadie ni sacar a nadie de aquí. Empecé a asistir a ferias en 1989, cuando se produjo la gran apertura de Brasil con la exposición Magiciens de la Terre de Jean-Hubert Martin, donde expuso por casualidad Cildo Meireles, y con una exposición en Nueva York en el PS1 de artistas brasileños.

Resumiendo, en el 1989 fue la primera apertura para un arte que no pertenecía al mundo europeo, como en el caso de Magiciens de la Terre. Incluso fue muy criticada aquí en Brasil por creer que se nos trataba como tercer mundo, pero yo creo que esa fue la gran apertura y luego, las ferias en Europa. Empecé a ir en 1989 a la Feria de Colonia y al año siguiente fui a Basel. Fue muy difícil al principio porque nadie conocía Brasil ni el arte brasileño, pero con el tiempo muchas de las galerías empezaron a ir también y creo que ahora tenemos un papel importante en el arte internacional.

RCA: ¿A qué ferias asistes?

LS: Basel, Basel Miami, la Feria de Sao Paulo, México y Frieze, actualmente. He asistido a ferias en Buenos Aires, Guadalajara, Armory Show, ARCO, pero es imposible ir a todas.

RCA: ¿Por qué a esas ferias?

LS: Porque esas son las ferias más importantes para mí. Tengo una en America Latina, que es México y una en Brasil, una en Estados Unidos, que es Basel Miami, una en Londres y una en Basel. Basel es la más importante del mundo sin discusión.

RCA: ¿Qué has aprendido de los artistas?

LS: A tener paciencia, algo muy difícil para mí, pero es esencial para un galerista.

RCA: ¿Cómo ves el escenario del arte contemporáneo más actual?

LS: El escenario está en buen momento. Yo diría en francés: Abaissement du niveau, no entendido tanto como depresión sino como que el mercado ha dejado de ser una locura y ha pasado a ser más real, más de acuerdo con lo que los artistas y las galerías esperan, que es la compra de una obra de arte por un interés real y no por especulación, porque en esos años locos las personas compraban sin saber lo que estaban comprando, por eso a mí la crisis me parece muy positiva.

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