TAMAÑO DE LETRA

“El arte no vende más que arte”

Margarita de Lucas

Antonio Navascués

Galería Edurne

Apertura de la Galería: 1964

Revista Claves de Arte: ¿Cómo te aficionaste al arte contemporáneo?

Margarita de Lucas: Yo nací en Fuenterrabía y mi infancia transcurrió entre Fuenterrabía  e Irún. Yo era pintora, muy interesada por el cine, el arte, era secretaria del cineclub de Irún y además en Irún había muchos personajes interesantísimos, entre ellos Oteiza, por ejemplo. O sea, que ya estaba interesada en el arte contemporáneo, pero de una manera muy natural.

Nos encantaba Oteiza, estábamos muy al tanto, él acababa de volver de Sao Paulo, con Néstor Basterretxea. Mi profesor de pintura era Gaspar Montes Iturrioz, que ya nos hablaba entonces de París, de los Impresionistas, de los Cubistas… como te digo entré de manera muy natural en el concepto contemporáneo. Estudiaba piano, iba a conciertos, en definitiva, era una educación muy abocada a lo que he hecho toda mi vida, porque el arte ha sido mi base. En mi casa el arte se fomentaba de manera natural y sin darle muchas pretensiones, pero valorando todas estas cuestiones que hoy en día se dirían espirituales.

Nos establecimos en la calle Villanueva 23, con la suerte de estar en la misma calle donde unos días después se inauguraba la Galería de Juana Mordó con lo más granado de la época. Era una Bohemia Dorada o Gauche Divine, como quieras llamarlo.

RCA: ¿Cómo fueron los comienzos de la Galería Edurne?

ML: El 11 de marzo de 1964 se inauguró con una exposición de un artista alemán de madre española, Erich Degner, y en octubre estuvimos ya exponiendo a Luis Gordillo, con lo que nos metimos de lleno en nuestra línea, porque al principio estábamos un poco titubeantes sobre qué nos correspondía hacer a nosotros, sin embargo cercanos a la generación de los abstractos más importantes de España, desde Tàpies hasta Zóbel, creador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

Nosotros teníamos que hacer algo distinto y afortunadamente lo hicimos. Expusimos nueva generación en nuestra galería y lo primero fue Luis Gordillo, que era muy impactante y es el que introdujo el color frente a los abstractos, que trabajaban fundamentalmente con los negros, los ocres, los blancos, algún rojo… Nosotros empezamos a ser mas eclécticos, más chirriantes. Vostell venía también por la Galería, estábamos al tanto de los happenings…fue una vibración en Madrid, de una forma bastante soterrada. Mucha de la gente de mi edad entonces ni se enteró de que estaba pasando esto, pero nosotros sí participamos de todo ello.

RCA: ¿Hicisteis algún happening en la Galería Edurne?

ML: Sí, hicimos un happening con el Grupo ZAG que fue fantástico. Fue una jornada con Alberto Greco, que era un disparate de personaje, hoy sería chocante, imagínate lo que era entonces, había sido expulsado de Italia por las barbaridades que hacía. Se hizo muy amigo de Millares, de Saura y de toda la pandilla maravillosa que teníamos alrededor. Alberto Greco expuso unos dibujos bastante provocativos, unos pollitos que piaban por la galería, unas latas con unas rosas muy beuysiano… yo no sabía quien era Beuys entonces, pero era un poco en esa forma. Todo aquel entorno fue de una riqueza extraordinaria.

RCA: Háblanos de otras exposiciones que tuvieron lugar en la Galería Edurne.

ML: Luis Gordillo, Elena Asins…mezclábamos con gente joven y nueva, hicimos Iturralde, Teixidor, Lola Bosshard, que fue el primer monocromo que se hizo en España, que aquí se echaban a reír a carcajada limpia. Hoy es imposible poder entenderlo pero venían críticos, amigos, gente de todas las edades y nos preguntaban “¿y de que vivís?”.

Expusimos también a Claudio Bravo, que era un figurativo rompedor, en el sentido de hiperfiguración, pero que les gustaba mucho a los más clásicos y gracias a él vivimos una buena temporada porque lo vendimos todo. Fue una exposición preciosa y un éxito tremendo. A Claudio Bravo le gustaba mucho exponer en Edurne, porque hacíamos unas cosas muy distintas que en ese momento no se hacían. Eran exposiciones también temáticas. Hicimos “Desde Goya hasta mañana”, por ejemplo, donde expusimos abstractos y figurativos y que luego se amplió en el Castillo de Carlos V de Fuenterrabía.

RCA: Antonio Navascués y tú abristeis la Galería juntos, habéis trabajado juntos y lo seguís haciendo desde Diciembre del 2009 en el nuevo espacio en el Escorial (calle Arias Montano, 5)

ML: Y continuamos juntos y seguimos igual (ríe). Bueno, con el conocimiento que hemos podido adquirir, pero creo que esa primera intuición no la hemos perdido.

España es un país de artistas y lo afirmo porque lo creo. Madrid es un sitio muy importante para exponer, donde muchos artistas mundiales desean exponer, pero donde no tenemos las bases todavía establecidas. Aquí no se lo cree la gente. Los artistas españoles no tienen, ni el dinero, ni la consideración, ni el apoyo institucional.

La promoción que nosotros hacemos del arte, de lo que los artistas hacen, no lo hacemos como si de objetos se tratara, sino como si fuera la destilación de una persona. Siempre hablamos del objeto artístico, que queda como tal en la historia, pero contando también una historia. Nosotros somos cuentacuentos, estamos siempre contando historias, nada es aleatorio. El arte, en sí mismo, no vende más que arte.

RCA: ¿Qué es para ti el arte?

ML: Es la necesidad humana de plasmar y al mismo tiempo idealizar o transmitir cosas que nos son comunes a todos. ¿Por qué muchas veces sufres un impacto o ves cosas que te chocan? porque hay ciertas cosas dentro de nosotros, por eso Beuys dice que todos somos artistas, que si conectamos con ese interior salen cosas de muy adentro.

Por eso a nosotros nos encanta el dibujo porque es una expresión directamente de la mente a la mano, cosas muy sencillas pero que tienen un enorme significado, el símbolo interior del ser humano. Lo que distingue al ser humano es el arte, así como la escritura o la música, el deseo de trascender, el deseo de sacralizar aquello que tenemos dentro.

Revista Claves de Arte: Antonio, llevas tiempo encargando de recopilar la historia de la galería, ¿verdad?

Antonio Navascués: Sí, creo que forma parte del propio hecho físico de la Galería Edurne y de su memoria. También para que sirva a su vez de memoria posterior para la historia de las galerías de arte contemporáneo, sobre todo en la segunda mitad del siglo XX.

Yo llevo ya unos años recopilando, escribiendo, tomando nota de acontecimientos, fechas, datos, tratando también de recopilar fotos al máximo, que son las manifestaciones plásticas más testimoniales.

Además cabe la satisfacción de que es un trabajo que realizo yo personalmente, porque suele dar un matiz más humano, no es una cosa tan fría. La Galería siempre ha sido algo muy humano, siempre hemos tratado que fuera así y creo que en el fondo lo es; la relación con los artistas, con los potenciales clientes o simplemente con los amigos que a lo largo de los años han pasado por la galería con el afán y el propósito de conocer y de que les contáramos.

RCA: ¿Cómo afecta la crisis a la Galería?

AN: En este momento atravesamos la crisis, una de las muchas que hemos vivido a lo largo de nuestra  vida y que, de alguna manera, tampoco afecta tanto al arte que se maneja en nuestra Galería.

Los artistas deben estar en crisis permanente y además son los momentos en los que quizá se realiza la mejor obra por parte de los creadores. De hecho, cuando nosotros nacemos al mundo del arte, en el año 1964, hay una crisis brutal, de pensamiento, intelectual, hay una opresión bárbara, en pleno franquismo, y ahí nacemos nosotros, azarosamente, aunque nosotros buscáramos esa dirección, pero todo nuestro mundo, todos los artistas que conocemos de aquella llamada “Generación de Cuenca”, el Equipo 57, etc., nacen precisamente porque hay una crisis brutal de pensamiento, de imposibilidad contra la que hay que luchar. Eso que los une, creo que es un concepto inmanente al mundo del arte y al mundo de las galerías, esa permanente crisis.

RCA: Después de 45 años que cumple la Galería Edurne, ¿en qué os consideráis pioneros?

AN: ¡Bendito sea Dios!, pioneros en nada. Pioneros de los 45 años, pero yo creo que en otra cosa no. Tratamos siempre de mantenernos en una actualidad, que no es fácil, tratando de conocer permanentemente. Vienen a la galería artistas jóvenes y es nuestro trabajo tener un permanente conocimiento de todo lo que está pasando alrededor de la Galería.

RCA: ¿Cual es la línea artística de esta galería en pocas palabras?

AN: Es muy difícil de definir, pero en un primer momento estuvimos marcados, aunque no era la preferencia inicial, nos gustaba mucho trabajar con gente joven, también nosotros éramos balbucientes en este tema y nos gustaba mucho aquello.

Estábamos marcados por esa vanguardia, la llamada generación abstracta, dando un formato muy amplio de lo que pasaba por Madrid, lo que pasaba por Barcelona, que eran los hitos y así filtrábamos, para amparar nuestras propuestas jóvenes con otros artistas ya consolidados, (que eran relativamente jóvenes también, pero que ya estaban consolidados) y eso fue en un inicio lo que dio paso y base a la continuidad de la galería.

Gente joven que va aportando cosas nuevas, esa sería nuestra trayectoria. Hoy es más difícil porque hay muchas más galerías, hay más facilidades para exponer y, no es que sea más difícil encontrar, pero la gente joven tiene más posibilidades de ir a muchas más salas, más espacios…hoy hay centros culturales, mil lugares donde se pueden presentar exposiciones dignísimas, fenomenales y de gente muy interesante.

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