TAMAÑO DE LETRA

Changha Hwang (Corea del Sur, 1969) presenta su tercera exposición en Madrid, tras haber participado en ARCO 07 donde Corea era el país invitado.

Hwang, que comenzó su formación a los 23 años en la Parson School of Design y posteriormente en el Hunter College de Nueva York, trabaja con diversas galerías en todo el mundo: Massimo Audiello en Nueva York, Anne de Villepoix en Paris, Baronian Francey en Bruselas, Charlotte Moser en Ginebra, Sun Contemporary en Corea y Marta Cervera en Madrid.

Revista Claves de Arte: Vemos en tus obras una búsqueda constante por redefinir la abstracción. ¿Prefieres ver tus cuadros como lienzos abstractos o hay algo más?

Changha Hwang: Quiero que mis obras sean vistas como cuadros abstractos, a pesar de que algunos elementos en ellas se podrían interpretar como partes de un paisaje o como microchips. Hay gente que incluso piensa que he utilizado programas de ordenador para generar las imágenes…

Cuando pinto busco ante todo la emotividad de la abstracción. En el siglo XXI, en concreto en este año el 2010, ¿cuál es el significado de la abstracción? ¿qué significa ésta para mí?

Quiero crear obras que sean suficientemente interesantes para el público contemporáneo y no es nada fácil. Los medios de comunicación de masas nos bombardean constantemente con imágenes… es difícil competir contra eso y más como pintor abstracto.

RCA: ¿Con qué formato de lienzo sueles trabajar o te sientes más cómodo?

CH: Normalmente trabajo con formatos grandes porque me gusta la sensación de perderme en el lienzo. Cuando estoy construyendo una obra me dejo llevar. Sé entonces que algo interesante saldrá de ahí, siempre en relación con mi patrón habitual.
Me cuesta mucho trabajar con formatos pequeños porque el espacio de trabajo es mínimo y no logro perderme en él. Además puedo anticipar el resultado y para mí eso significa perder la emoción de la obra.

RCA: Perderte para encontrarte después, porque tu obra al final es muy detallista…

CH: Sí, es verdad. Eso es porque cuando creo pienso todo el tiempo en la relación entre elementos y las marcas que deja esa relación. Los detalles son importantes; es la única manera de ver cómo una pieza se relaciona con la siguiente. Mis lienzos se convierten en obras de arte muy detalladas “casi” de manera natural.

RCA: ¿Y el color? ¿Es algo intuitivo o premeditado?

CH: ¡Muy intuitivo! En las escuelas de arte siempre te hacen hablar sobre el significado de tu obra, sobre este o aquel elemento…aún no tengo una respuesta clara para explicar de dónde viene o por qué utilizo el color de la manera en que lo hago. Una vez pensando sobre ello, se me ocurrió que había un componente muy sexual en mi obra proveniente del color… este significa mucho para mí, tiene una fuerte carga emotiva sobre mi persona.

El color es algo muy complejo por lo que ¡no puedo deshacerme de él tan fácilmente! Sigo buscado la respuesta…

RCA: ¿Tiene éste algo que ver con la tendencia de la pintura actualmente en Corea?

CH: Me temo que no se mucho de pintura coreana. Es algo que me da vergüenza admitir…no he estudiado nunca arte en Corea pero sí soy coreano. Nací y viví allí hasta los 21 años por lo que inevitablemente tiene que existir una conexión entre la cultura de mi país y mi obra.

En realidad, yo nunca pensé en dedicarme a la pintura y mucho menos en ser artista. Todo lo que conozco y sé de arte lo he aprendido en América que es donde he estudiado pintura.

RCA: ¿Con qué técnicas de las que te enseñaron en América trabajas?

CH: Utilizo sobre todo pintura acrílica. Para crear este tipo de obras (refiriéndose a las expuestas en la Galería Marta Cervera), necesito una técnica que seque pronto porque aplico varias capas pictóricas que se superponen las unas a las otras. Cuando estaba estudiando utilizaba también el óleo…de hecho, echo de menos trabajar con óleo… ¡me encanta! Es un material lleno de posibilidades, fluido y con un acabado preciosista…si no fuera por la superposición de capas…

RCA: Al principio tus obras se parecen mucho las unas a las otras pero cada una tiene su propio sello y su propia identidad ¿Es algo que tienes en cuenta?

CH: Sí, es algo que intento buscar. Cuando pintas tienes una idea en mente que tratas de desarrollar. Quieres controlar la pintura pero al final ésta te acaba controlando a ti. Al final es mejor seguirla a ella y ver hacia dónde te conduce. Aunque cada obra tenga su propia personalidad, forma parte de una misma unidad, es como una pintura “all over”.

RCA: ¿Tiene Jackson Pollock alguna influencia en tu obra?

CH: ¡Pollock tuvo una grandísima influencia en mí! El cambio de perspectiva que consigue y su libertad a la hora de crear. Él dejaba que la pintura fluyese por el lienzo, que crease la obra. Aunque en sus trabajos finales tenía más control sobre el material, éste seguía gozando de una gran libertad de acción.

RCA: ¿Es así como te sientes hacia tu obra? ¿Es la propia pintura la que se crea a sí misma?

CH: A veces sí. En la manera en que compongo la obra…tengo un amigo artista que fue a la misma universidad que yo y hacemos reuniones regulares en su estudio y en el mío para hablar de nuestros respectivos trabajos. Uno de los temas de los que hablamos habitualmente es de Pollock, de cómo componía, de cómo distribuía el material por la superficie bidimensional… he pensado sobre ello muchas veces tratando de verlo en mi obra pero no estoy muy seguro…es una pregunta interesante…

RCA: ¿Ves tus obras como retratos de ti mismo?

CH: Sí, podría ser, porque al final la obra que creas tiene que ver contigo y con encontrarte a ti mismo. Cuando construyes algo tangible salido de la nada empiezas a ver tus propias tendencias y el tipo de persona que eres. Sin embargo, me he dado cuenta de que la vida, el arte, no tratan sobre ti, tú no eres el actor principal de la película son los otros los que importan. Así que puede que sean retratos de los otros.

RCA: Y por último, la pregunta más difícil. ¿Hay algo que trates de exteriorizar a través de tu obra?

CH: No trato de enseñar nada con mi trabajo. Me siento un poco inseguro diciendo esto, pero realmente lo que me gustaría transmitir con mis obras es esperanza. Quizás es algo idealista y romántico pero en lo más profundo de mí tengo la esperanza de transmitir esperanza a los demás. Me encantaría crear ese tipo de pintura que te encuentras en los museos y alguien se acerca y dice “esto puedo hacerlo yo”, ¡esas son las mejores obras! Significa que le has dado esperanza a alguien. Le has inspirado, le has dado ganas de crear y es entonces cuando puede que nazca otro artista. Aún estoy lejos de conseguirlo pero me encantaría crear este tipo de obras.

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